Salvo jotas aragonesas y fandanguillos de Huelva, este último dato todavía por contrastar, Elvis Costello ha explorado todos los palos de la música desde sus inicios como impulsor de la 'New Wave' pasando por el punk, rock, country, soul, pop, clásica, jazz (con su actual señora Diana Krall),  R&B de Nueva Orleans, folk y hasta 'crooner'.

De toda su vasta producción a lo largo de 40 años, su segundo álbum This Year's Model es el más energético y el primero en el que contó plenamente con su terrorífica banda, The Attractions, que le ha acompañado con interrupciones. Producido, como toda su primera etapa, por el inigualable Nick Lowe. Ahí es ná.

Patrimonio universal

Ay, esos punteos supremos de (I Don't Want To Go To) Chelsea, el barrio pijo de Londres, con la batería histérica de Pete Thomas, el bajo percutiente de Bruce Thomas y los teclados preeminentes, como en todo el disco, de Steve Nieve, unidos a esa voz arenosa con afonía crónica de Costello. Temazo declarado patrimonio universal.

Chelsea fue el primer single. El segundo, Pump It Up (los Costellianos seguro conocen la versión de Rubinoos), en otro arranque poderoso de la bate y bajo de los dos Thomas, punteos, el órgano de Nieve y la voz rasposa de Elvis con unos cambios estupendos.

El álbum no tiene desperdicio. Empieza con la soberbia No Action. Costello susurrando y el desparrame con un tremendo órgano Farfisa de Nieve, el ritmo contundente y un estribillo directo al cerebelo.

Le sigue This Year's Girl en otro preámbulo poderoso de las baquetas de Pete Thomas (muy solicitado músico de sesión), las rítmicas cortantes y la explosión del teclas de Nieve. Costello nos cuenta que la foto de la 'Chica del año' está en todos sitios.

Saltamos a Lip Service, otro de los mejores capítulos, puro power-pop con un ritmo vivo, atención especial al bajo de Bruce Thomas, por algo le produce otro bajista, Lowe. Costello cantando con ganas y de nuevo el grandioso teclado de Nieve.

El niño prodigio ciego que con una armónica y apenas 12 años se erigió en rutilante estrella de la Motown a principios de los años 60, evolucionó para convertirse en uno de los más grandes músicos de la historia.

 Stevie Wonder, superlativo cantante, multiinstrumentista y compositor, alcanzó la plena madurez en 1972 con Talking Book, un éxito rotundo que abrió el camino de los nuevos sonidos del soul y el funk con la inclusión de sintetizadores, moog, percusiones y una postura racial y política comprometida.

Irresistible orgía de ritmos

Superstition es una irresistible orgía de ritmos incisivos sobre los que se encarama Wonder con su voz poderosa, "la superstición no es el camino", acompañado del saxo de Trevor Laurence y la trompeta de Steve Madaio para incitarnos a mover todos los músculos. 

Pete Townsend es solo uno de los muchos rockeros que confesaron la influencia de Wonder en la evolución de su obra.

Le sigue fundida Big Brother, en la que este genio de Michigan lo toca todo con su característica armónica, teclas y un cantar suave en la forma y severo en la letra, que propone al político que cuando esté en campaña electoral le visite en su "casa del gueto del tamaño de una caja de cerillas".

Maybe Your Baby es un soberbio alarde de sintetizadores y teclas varias funk con Stevie Wonder desdoblándose con falsetes y los punteos del reputado Ray Parker Jr.

En la misma onda de soul-funk de alto octanaje Wonder se multiplica en Tuesday Heartbreak con los moog, sint. y teclas. Canta con garra, engalanado con los coros estupendos de Shirley Brewer y Deniece Williams y el saxo de David Sanborn.

Reverencias y primer tiempo de saludo para Lucinda Williams, probablemente la mejor compositora de country-folk del tiempo reciente, quien después de seis años de silencio nos obsequió en 1998 con su mejor trabajo,  Car Wheels On A Gravel Road, unánimemente valorado como uno de los grandes discos de la música tradicional americana.

Esta cantautora de Louisiana ya había saboreado el éxito en 1988 con el estupendo tema Passionate Kisses, popularizado por Mary Chapin-Carpenter, y que le valió su primer Grammy.

Descontenta con las maquetas originales en 1995 de 'Car Wheels' Lucinda se fue a Nashville y lo regrabó entero con una excelente nómina de músicos y la producción del pianista de la E Street Band de Bruce Springsteen, Roy Bittan, que mete abundantes teclados y acordeones.

La espera mereció la pena. Desde las primeras notas de Right On Time, con las guitarras camperas de Greg Leisz y Ray Kennedy y la voz susurrante inconfundible de Lucinda con la base del batería Donald Lindley y el bajista John Ciambotti, degustamos una soberbia colección de canciones.

La sigue el tema que da título al álbum, Car Whhels On A Gravel Road, con un ritmo penetrante y las guitarras de su habitual colaborador Guf Morlix para que Lucinda vaya desgranando una historia de la profunda América, plasmada en las ruedas de coche sobre una carretera de grava y realzada con la segunda voz de Buddy Miller que toca la mandolina.

La canción más conocida y primer single es Still I Long For Your Kiss, coescrita con el guitarrrista Duane Jarvis e incluida, en una versión más acústica, en la banda sonora del film de Robert Redford 'The Horse Whisperer' (El hombre que susurraba a los caballos). Evocadora balada country con unos punteos tremendos de Johnny Lee Schell y la voz rugosa de Lucinda que sigue suspirando por sus besos. 

El otro single del disco es Can't Let Go, versión de Randy Weeks de la banda californiana campera The Lonesome Strangers. Ambiente blues con un fantástico dobro de la propia Lucinda que escupe las palabras y se crece como solo ella sabe hacerlo con el acompañamiento a las seis cuerdas de Johnny Lee Schell y Bo Ramsey.

Otro de los iconos del country irreverente, Steve Earle, tiene un papel muy activo, especialmente en dos temazos.  

Uno es I Lost It, con una base potente, la voz lastimera de Lucinda que añora la pérdida de un amor perdido que nadie va a reemplazar, la acústica de Earle y la fina aportación de los punteos de Charlie Sexton. 

El otro es Concrete And Barbed Wire, acústicas de Lucinda y de Earle que hace coros en una maravillosa expresión de country-blues con la mandolina de Greg Leisz y el acordeón de Roy Bittan.

Hubo vida, y parece que todavía la hay, después de que Kurt Cobain provocara la defunción en 1994 de Nirvana, la banda de referencia del grunge.

Sus compañeros, especialmente el batería Dave Grohl, se sobrepusieron al suicidio del líder para formar Foo Fighters, que llevan en activo más de 20 años y han sabido conjugar la fiereza original del grupo natural de Seattle con logradas canciones sin, a veces, tantos decibelios.

Wasting Light es uno de sus últimos trabajos (2011) que condensa lo mejor del grupo, sin olvidar que sus tres primeros álbumes contenían también grandes momentos.  

Bob Mould, invitado estelar

El primer acierto es contar en Dear Rosemary con Bob Mould (Hüsker Dü y Sugar) quien comparte la voz solista y puntea con su clase innata para redondear un temazo en el que Dave Grohl va de la risa al llanto. Guitarrazos  de Chris Shiflett y Pat Smear, la sólida base del batería Taylor Hawkins y el bajista Nate Mendel hacen el resto,

Bridge Burning abre el disco con guitas que se entrelazan de Chris Shiflett y Pat Smear además del propio Grohl, la base como una taladradora de Taylor Hawkins y Nate Mendel. Dave Grohl irrumpe casi vomitando pero se atenúa para conformar un desarrollo vocal con mucho gancho. Acompaña con las teclas Rami Jaffee como en otros temas.

Le sigue Rope, con guitarras entrecortadas de Shiflett y Smear para desparramarse el ritmo en ambiente funk subido con voces dispares de Grohl, que se las apaña para llegar a un estribillo penetrante. Produce Butch Vig, de su etapa en Nirvana.